Biblioscènes

La Cité de la musique-Philharmonie de Paris 

Wided Merchaoui, Loup Wolff

Cette étude, réalisée à la Cité de la musique-Philharmonie de Paris, s’oriente dans l’offre culturelle plurielle proposée par l’établissement distingue une moitié de ces publics, pour laquelle la fréquentation de l’établissement s’organise prioritairement autour de l’offre de concerts, et une autre moitié manifestant une approche beaucoup plus mixte (associant donc l’offre d’expositions, muséale ou d’activités). Six groupes distincts de publics se détachent. Ces profils variés dessinent la pluralité des modalités d’appropriation de la programmation de la Cité de la musique-Philharmonie de Paris, en lien avec les parcours individuels des publics. On y distingue plusieurs catégories de publics fréquentant l’équipement parisien : les spectateurs mélomanes classiques (25% du public), les spectateurs mélomanes éclectiques (24%), les visiteurs occasionnels (23 %), les spectateurs participants (13 %), les néo-visiteurs (11%), les étrangers experts (4 %). Si près de la moitié du public (49 %) fréquente l’établissement pour son offre de concerts, l’autre moitié (51%) a une approche plus diversifiée de l’offre. Une enquête intéressante sur les premiers résultats d’un lieu qui affiche une forte ambition de démocratisation culturelle.

Deps – ministère de la Culture. Coll. Culture études, 2018, 20 p, téléchargement gratuit en ligne.

Collectif, sous la direction d’Eric Fourreau

Cet ouvrage singulier se parcourt comme une invitation au voyage en territoire d’enfance, là où s’éprouvent de nouveaux dispositifs de médiation et d’interaction entre les artistes et les jeunes publics, partout dans le monde. S’ouvrant sur les contributions d’Emmanuel Wallon et Alain Kerlan, il s’évade ensuite au gré des contributions de professionnels de la culture et d’universitaires dans la restitution de projets et de méthodologies souvent très innovants. Les pratiques d’inclusion sociale en Espagne et au Portugal, l’apprentissage collectif de la musique à l’école primaire en Allemagne, la création collective au Chili ou la transmission au Burkina-Faso sont autant d’ouvertures sur un ailleurs qui, au fil des lectures, réinterroge les pratiques professionnelles. À noter, en fin d’ouvrage, un focus sur quelques expériences inspirantes, en France également, qu’il s’agisse du tout nouveau réseau Rêves dans le Vaucluse ou du Passeport pour l’art expérimenté à Toulouse.

Éditions de l’Attribut, 324 pages, 20 €.       

Jean-Pierre Léonardini 

Journaliste et critique dramatique à L’Humanité, Jean-Pierre Léonardini jette un œil amusé, et un brin désabusé, sur son activité de près de cinquante ans auprès de la scène théâtrale. «Le temps est venu de me pencher sur l’espèce de forcerie que constitue cette accumulation de spectacles, saison après saison, et qui ont donné lieu à une accumulation de papiers en un domaine dont la nécessité sociale s’avère de plus en plus aléatoire», écrit-il. La plume est alerte et traverse l’actualité du théâtre comme celle du monde (la chute du bloc communiste, l’attentat de Charlie Hebdo, les différentes élections présidentielles, les inévitables polémiques du Festival d’Avignon…).

Les Solitaires intempestifs, 192 pages, 14 €

Enjeux théoriques et politiques

Jean Caune

Jean Caune, professeur émérite à l’Université Stendhal de Grenoble, propose dans ce nouvel ouvrage des moyens conceptuels pour franchir la frontière mobile entre l’art et son contexte ou «arrière-plan» culturel. Une réflexion sur l’éternel débat sur l’impossibilité de penser la culture sans une pensée de l’art. Un ouvrage utile aux médiateurs, aux passeurs, qui souhaiteraient approfondir cette question.

L’Harmattan, Coll. Logiques sociales, 208 pages, 21,50 €

Art – Pédagogie – Sensible

Collectif

L’ouvrage réunit de nombreuses contributions écrites ou transcriptions d’entretiens avec des artistes, des pédagogues et des universitaires, tous interrogeant ici, à leur endroit, la question de la transmission de l’art. Il est donc question des présences d’artistes à l’école (et jusqu’à l’université) mais aussi de formation. Celle des artistes au sein des grandes écoles d’art, comme celle des futurs professeurs, mériterait d’être un peu plus qualifiée, comme on le devine à la lecture de cet ouvrage collectif. Huit séminaires de travail, à Lyon et à Nantes, ont nourri cette recherche qui invite résolument à l’action. Parmi les intervenants, on note la présence des incontournables pédagogues que sont Philippe Meirieu et Alain Kerlan, mais aussi les points de vue des artistes Maguy Marin et Julie Nioche, ou encore du directeur de l’Ensatt, Thierry Pariente. «En France, on dissocie artiste et professeur», regrette le compositeur Henri Tournier dans une phrase mise en exergue de ce nouvel opus paru aux éditions de l’attribut. Les textes compilés ici ont été recueillis lors de séminaires organisés entre autres par le Pont supérieur, à Nantes, et par l’Ensatt, à Lyon. La question de la place de l’artiste à l’école y est centrale, comme l’explique la comédienne et metteuse en scène Daria Lippi : «C’est très périlleux, et spécialement pour les artistes de la scène, dont l’œuvre n’est pas un objet. Une chose est d’utiliser les compétences de l’artiste dans un autre but (éducatif, thérapeutique, social…), une autre est la réalité de notre champ artistique, qui se fait en présence d’un public, sans autre médiateur que nous-mêmes. Nous sommes intrinsèquement des “médiateurs” quand nous représentons un spectacle».

Éditions de l’attribut, 304 pages, 16 €