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La conférence de bilan du 43e Festival de Montpellier, le 3 juillet, a permis au directeur de l’institution, Jean-Paul Montanari, l’habituelle opération de satisfaction consubstantielle à ce genre d’exercice. Les chiffres sont bons, 32 000 spectateurs pour 57 représentations et un taux de fréquentation de 96 %. L’année 2023 se rapproche des résultats de 2019 (35 000 spectateurs) et les effets du séisme Covid commencent à s’estomper d’autant que le public du festival témoigne d’une fidélité rassurante : 70 % des places disponibles étaient vendues au bout des 15 premiers jours de réservation, et pas seulement pour les têtes d’affiche Preljocaj ou Pina Bausch… Cette confiance remarquable pour un festival très axé sur la création permet d’assurer 32 % d’autofinancement.

Seul bémol, les professionnels tardent à revenir : ils n’étaient que 308 journalistes et programmateurs venus de 21 pays à fréquenter la manifestation contre plus de 500 auparavant. Mais tout est dans le bon sens, fors une certaine inquiétude ressentie au cours de la conférence et qui est d’abord financière : « Il manque 300 000 euros pour cette édition. Nous avons pu assurer en piochant dans nos réserves, mais pour 2024…, souligne le directeur. La tendance devrait amener à un déficit de 400 000 euros l’année prochaine et il n’y aura plus de réserve. » Alors Jean-Paul Montanari évoque à nouveau cette antienne qui amuse le milieu professionnel depuis au moins dix ans : son âge. Et, partant, sa succession : il aura 77 ans l’année prochaine et semble tout à fait en verve et forme pour aller plus loin d’autant que le paysage politique lui est favorable…

Mais cette édition est la première sans Gisèle Depuccio, directrice adjointe, présente depuis 40 ans et cette absence pèse sur le « patron ». L’année 2024 sera aussi celle du départ de Christian Rizzo, directeur du centre chorégraphique national de Montpellier avec lequel, et bien que les deux maisons partagent les mêmes superbes bâtiments de l’Agora, les relations sont notoirement mauvaises. Le CCN s’est d’ailleurs – comme l’Opéra Comédie – retiré de la saison de danse, laissant le festival et ses 3,3 millions de budget tout compris assumer. Alors, et quoiqu’il ne veuille pas confirmer officiellement le projet, Jean-Paul Montanari se verrait sans doute volontiers partir fin 2024, offrant ainsi la possibilité de nommer le même directeur pour le festival et le CCN. Une fusion sur la table de travail du ministère, qui est bien entre les mains des tutelles, et qui permettrait de solutionner une part de l’équation financière autant que d’apaiser des tensions locales. Ainsi le futur de Jean-Paul Montanari préfigurerait-il un rapprochement qui ferait du CCN de Montpellier l’une des plus importantes institutions chorégraphiques d’Europe… Cela s’appelle une ambition.

Philippe Verrièle

En partenariat avec La Lettre du Spectacle n°542

Crédit photo : D. R.

L’Association Jazzé Croisé s’alarme de la réduction de la programmation parmi ses adhérents face à la hausse des coûts et à la baisse des subventions des collectivités. Conséquence, les lieux de diffusion sont « pris dans un étau ». Le collectif de diffuseurs publie une étude révélant que « plus des 2/3 d’entre eux ont ainsi décrit une hausse de leurs charges artistiques, techniques et structurelles sans constater en face une hausse de leurs ressources sur les derniers mois ». Antoine Bos, son délégué général, s’inquiète : « Nous sentons qu’il y a des tensions au niveau des collectivités territoriales.» Conséquences, des adhérents comme Jazz à Poitiers ne programmeront ni saison, ni festival en 2024. Seuls 4 événements. « Nous avons une augmentation de coûts sans hausse de subvention bien que nos partenaires soient très présents mais c’est aussi difficile pour eux, détaille sa directrice Mathilde Coupeau. J’espère qu’il y aura une évolution nationale ».

L’étude d’AJC sur 48 structures montre que « 75 % ont une hausse substantielle de leurs frais de structure, 72 % de leurs frais techniques et que seules 24 % constatent des hausses des financements des collectivités ou de l’État. » Si les collectivités ont augmenté leur soutien entre 2019 et 2022, toutes l'ont réduit entre 2022 et 2023. Pire, selon l’AJC, « au 1er juin, plus de la moitié des répondants n’ont pas encore l’assurance d’un soutien de leur Région. » Et Antoine Bos d’évoquer le « besoin d’une discussion très rapidement avec les collectivités qui sont les premiers financeurs de nos adhérents », pour tenter d’inverser cette tendance délétère.

Jérôme Vallette

En partenariat avec La Lettre du Spectacle n°542

Crédit photo : D. R.

La qualité de vie et des conditions de travail (QVCT) n’a pas été une préoccupation majeure dans le spectacle vivant, entre métier passion, importantes charges de travail et management peu assumé. La 5e édition des rencontres professionnelles Prévention des risques dans le spectacle vivant, le 19 juin à Lyon, a mis en avant cette préoccupation récente en matière de prévention, issue d’un accord interprofessionnel de 2020. Pascal Airey, chargé de mission Anact, livrait les trois dimensions d’une démarche QVCT : « Une approche paritaire, une discussion sur ce qui fait la qualité du travail et ses conditions, des expérimentations pour transformer la façon de travailler. » Pour Thierry Teboul, directeur général de l’Afdas, l’après-pandémie a suscité des demandes d’un genre nouveau : télétravail, équilibre vie privée-professionnelle, formalisation des relations de travail… dans un secteur « où il faut livrer coûte que coûte ». « L’attractivité est une question de prévention, mais traitée sous l’angle de la guérison. » Et d’appeler à « une nouvelle grammaire du recrutement ».

Une des conférences interrogeait le dialogue en entreprise, 90 % ne bénéficiant pas d’un Conseil social et économique. Katia Kostulski, professeure des Universités, ne voyait néanmoins pas d’un mauvais œil la disparition des CHSCT, « lieux d’un dialogue nécrosé et théâtral », incitait le dialogue entre pairs (fédérations ou associations de professionnels) avant même le dialogue interne, qui prévient les conflits interpersonnels. La psychosociologue Daphné Gaspari pointait les craintes de certaines directions à ouvrir les vannes d’un dialogue fourre-tout. Claire Roussarie, directrice adjointe de la Comédie de Valence, témoignait de l’accompagnement Impro-Spectacle de 9 structures sur 3 ans, alors qu’une crispation salariale se faisait jour dans le centre dramatique national. Un plaidoyer, rédigé de façon collective, a commencé à être esquissé autour de 18 thématiques, comme égalité, inclusion, formation, rémunérations, charge de travail… Ce texte sera finalisé pour les BIS 2024.

Nicolas Dambre

En partenariat avec La Lettre du Spectacle n°541

Légende photo : Les rencontres professionnelles Prévention des risques dans le spectacle vivant, à Lyon.

Crédit photo : D. R.

Pôle emploi lance début juillet Clap Talents, un service en ligne réservé aux 124 000 intermittents du spectacle indemnisés et aux recruteurs afin de permettre une meilleure mise en relation candidats employeurs et de prendre en compte les singularités des offres d’emploi du secteur. Cette « base profil », qui n’est pas un outil de matching, doit faciliter une présentation plus complète des parcours des artistes et techniciens, de leurs dates de disponibilités, ou de leurs productions. « Nous sommes vraiment centrés sur la mise en avant du profil de l’intermittent, assure Catherine Adnot-Mallet, directrice de Pôle emploi services. C’est une base sur laquelle ils, techniciens et artistes, peuvent compléter leur profil de compétences voire une fiche casting pour les métiers plus artistiques ». Comme de renvoyer vers leurs réseaux sociaux, proposer plusieurs photos (de pieds, de face au naturel sans maquillage ou de profil), ou des données qui ne sont pas autorisées sur les services classiques.

Ainsi, la spécificité de Clap Talents est de pouvoir renseigner des critères discriminants hors du milieu du spectacle. Par exemple, les critères physiques (âge, taille, poids, corpulence, origine, sexe, couleurs de cheveux, tatouages, etc.). Cette fiche casting peut être transmise aux recruteurs depuis l’interface Clap Talents. Par ailleurs, le candidat peut préciser ses disponibilités sur 2 mois, « un critère important pour les employeurs », les conditions de travail et d’exercices acceptées. « On est vraiment sur une base complètement dédiée cinéma spectacle », résume Catherine Adnot-Mallet. Nous avions une demande interne des agences spécialisées pour un outil de ce type, mais aussi des employeurs, qui nous disaient avoir besoin de ce type de service tant pour trouver rapidement les professionnels que sur les recherches avec des critères discriminants », reconnaît-elle. Une collaboration avec des intermittents, des spécialistes de Pôle emploi et des employeurs. Un travail juridique a aussi été effectué pour coller au Règlement général sur la protection des données (RGPD).

Dès le début juillet, Clap Talents sera accessible aux intermittents, l’ouverture aux employeurs se fera elle en septembre. La première phase permettra d’affiner la base. « Notre objectif est de fluidifier le marché du travail, poursuit la directrice de Pôle emploi services. Nous allons observer de près son utilisation, et nous serons très attentifs aux retours-utilisateurs afin de faire évoluer le service au plus près des usages et des besoins. »

Jérôme Vallette

En partenariat avec La Lettre du Spectacle n°541

Crédit photo : D. R.

A la lecture des premières plaquettes de saison 2023-2024, les théâtres de ville – très sensibles à la billetterie – résistent à l’inflation des tarifs. Alors que les prix grimpent pour le livre, le cinéma et les grands spectacles de variété, les théâtres municipaux ne veulent pas décourager leur public. C’est l’avis de Régis Ferron qui dirige l’Espace Marcel-Carné (EMC), à Saint-Michel-sur-Orge (Essonne) : « Nous augmentons très peu. C’est important pour des questions de pouvoir d’achat. Beaucoup de salles viennent juste de retrouver leur public, il ne faut pas mettre de frein. » Il admet que son établissement a été soutenu par la communauté Cœur d’Essonne pour les hausses de charges. « On a aussi eu l’une des meilleures billetteries de l’histoire du lieu l’année dernière, passant de 150 000 à 200 000 euros. Le meilleur taux de remplissage permet de limiter les tarifs. » Quelques rares conseils municipaux ont risqué des hausses, s’attirant les titres de la presse locale. Ainsi, à Abbeville (Somme), le saut du tarif A de 19 à 24 euros suscite les foudres de l’opposition...

Ailleurs, on voit aussi de petites hausses pour les séances scolaires suite à l’extension de la part collective du Pass culture aux 6e et 5e. Quand on épluche les plaquettes, les hausses sont très timides sur les tarifs moyens, mais plus nettes sur des spectacles avec vedettes. Constat confirmé par Christophe Bennet, directeur des affaires culturelles (DAC) de Cergy et président de la Fnadac qui a mené un rapide sondage auprès des DAC d’Île-de-France. « Sur 21 répondants, 8 augmentent leurs tarifs de 4 à 10 %, mais cela s’étale sur trois ans, rapporte-t-il. Ces hausses sont souvent sensibles politiquement. C’est aussi risquer de baisser le taux de fréquentation, alors que les recettes dans nos salles ne constituent pas la partie la plus significative de nos ressources. Par contre, j’ai identifié une catégorie [de prix] supplémentaire sur les concerts grand public ou avec une tête d’affiche. » Pour cette catégorie « supérieure », ces théâtres mesurent qu’ils ont encore une marge comparé aux Zénith, palais des congrès ou arénas dont les fréquentations tiennent bon.

Si les principaux prix sont gelés, où les théâtres relâchent-ils la pression budgétaires ? Car les hausses sur les fluides, sur les frais d’approche, sur les contrats d’achat « pulvérisent les budgets artistiques », estime Ghislaine Gouby (Scènes du Golfe à Vannes. Et des baisses de budgets se rajoutent : « Les collègues disent qu’il y a des restrictions budgétaires, énonce Christophe Bennet. Cela se traduira par une programmation un peu moins ambitieuse ou bien qui commencera plus tard ou encore par des négociations plus drastiques avec les compagnies. » Au Syndicat national des scènes publiques, le président, Frédéric Maurin (L’Hectare, à Vendôme), abonde : « C’est par une baisse du nombre d’œuvres dans la saison qu’on aura une adaptation budgétaire. Beaucoup de programmateurs sont face à des choix cornéliens. On s’inquiète pour les compagnies indépendantes. Elles sont le plus exposées. »

Yves Perennou

En partenariat avec La Lettre du Spectacle n°541

Légende photo : L’Hectare, à Vendôme

Crédit photo : Julien Pebrel

Déconstruire la temporalité des saisons, diviser les trimestres ou garder la saisonnalité classique mais produire des « journaux » en parallèle… Les théâtres cherchent à créer des liens uniques avec leur public. 

Bien sûr, la période du covid a bousculé fortement l’appréhension des plaquettes saisonnières classiques tant ce qui était annoncé dans celles de 2019-2020 et 2020-2021 a été annulé, déplacé. Au TNG de Lyon, Joris Mathieu avait fonctionné par trimestre après le premier confinement avant de revenir à la traditionnelle temporalité. Il n’a pas fallu attendre la crise sanitaire pour que Wajdi Mouawad propose un schéma singulier. Il y a eu les plaquettes 2016-2017 (de septembre à juin) et 2017-2018 (de septembre 2017 à décembre 2018), le temps de la transition avec Stéphane Braunschweig (effectuée au printemps 2016). Dès la rentrée de 2017, le Franco-Libanais opère donc une vraie modification et sort ce qu’il nomme alors un « almanach » : une année civile entière est couverte. Ce sera le cas en 2019 et en 2020. Fanély Thirion, responsable communication du Théâtre de la Colline, explique que c’était une volonté de « se rapprocher des saisons naturelles » et que cela s’est décliné en « métaphores du solstice, des équinoxes… ». 

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Par Nadja Pobel

Légende photo : Florence Guinard, directrice adjointe du TNP

Crédit photo : Michel Cavalca

Leur réussite dépend de la capacité des lieux à en faire de réels moments de partage et de convivialité.

Proposés à l’issue des représentations, les bords de plateau constituent des temps d’échange privilégiés entre les spectateurs et les artistes. Généralement systématiques lors de séances scolaires – comme au Grand Bleu, scène conventionnée art, enfance et jeunesse de Lille –, leur fréquence peut être modulée en fonction de la programmation tout public. C’est en concevant la brochure de saison que Julie Bonnet-Roger, secrétaire générale de L’Équinoxe, scène nationale de Châteauroux, décide selon les créations, mais aussi au regard de contraintes techniques, de leur caractère opportun ou non. « Un spectacle qui dure trois heures et demie ne sera pas propice, car les spectateurs ne s’attarderont pas au théâtre, observe-t-elle. Je considère par ailleurs le propos, s’il suscite des questionnements justifiant un éclairage de la part des artistes. »

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Par Marie-Agnès Joubert

Légende photo : Laura Costa, chargée des relations avec les publics au Grand Bleu (Lille) 

Crédit photo : D. R.

Entre chasse au gaspillage face à l’épuisement des ressources et besoins en eau amplifiés par les canicules, l’équation n’est pas simple à résoudre pour les festivals.

L’été n’a pas débuté que l’eau est pourtant sur toutes les lèvres. Plusieurs départements sont déjà en alerte sécheresse, un « plan eau » national a été annoncé le 30 mars, et les restrictions sont dorénavant une donnée avec laquelle il faudra composer sur l’ensemble du territoire. « La part de la culture reste infime » dans la consommation d’eau en France, par rapport à l’agriculture, l’énergie ou les usages urbains, mais « elle reste une problématique locale. Il est essentiel d’envisager de réduire tous les usages. Ce n’est pas une question de proportion, mais de territoire », explique Nicolas Roche, professeur et chercheur spécialiste des problématiques de l’eau. 

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Par Julie Haméon

Légende photo : Rudy Guilhem-Ducléon, chargé de mission développement durable au Collectif des festivals 

Crédit photo : D. R.

Les festivals attisent la convoitise de grands groupes. Au risque de menacer une diversité particulièrement importante en France.

En Europe, le secteur des festivals de musique est le terrain de jeu de grandes firmes multinationales qui ont créé ou racheté nombre de manifestations. Matthieu Barreira et Emmanuel Négrier avaient établi en 2022 une cartographie des participations de ces groupes pour le compte du Syndicat des musiques actuelles (SMA) et de la revue NectArt. Avec une question en filigrane : la concentration économique menace-t-elle la diversité des opérateurs et donc la diversité artistique ? L’Américain Live Nation est le premier groupe avec plus de 60 festivals dans 16 pays, suivi de l’Allemand CTS Eventim, plus de 40 événements dans 9 pays. Providence Equity Partners, actionnaire de Superstruct, est présent dans plus de 30 festivals et 6 pays, Vivendi était actionnaire en 2022 de 14 manifestations dans 2 pays et AEG, de 5 festivals. Majoritairement des événements à grosses jauges et à têtes d’affiche internationales. Avec une présence plus importante en Europe du Nord : Grande-Bretagne, Belgique, Scandinavie, Pays-Bas, Allemagne…

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Par Nicolas Dambre

Légende photo : Arnaud Meersseman, directeur général d’AEG Presents France

Crédit photo : D. R.

Les équipements culturels sont appelés à réinventer leurs propositions pour élargir les publics et optimiser son offre.

Initiée en janvier 2022, la part collective pour la mise en place de projets par classe au sein des établissements scolaires, à partir de la 4e, vient en complément d’une part individuelle à la disposition des jeunes de 15 à 18 ans. La saison prochaine, cette part collective a également pu bénéficier aux élèves des classes de 6e et 5e (avec un budget doublé). En moyenne, 800 euros sont ainsi financés par classe et par année scolaire pour des activités d’éducation artistique et culturelle. Sébastien Cavalier, président de la SAS Pass culture, en dresse un premier bilan : « De janvier à juin 2022, nous avons eu une prise en main de ce dispositif, qui a vraiment porté ses fruits au cours de la saison 2022/2023, assure-t-il. À ce jour, la part collective a bénéficié à 2,1 millions de jeunes et 85 % des établissements s’en sont saisis. » Un budget de 51 millions d’euros, provenant pour la plupart du ministère de l’éducation nationale –, mais aussi de celui des Armées et de l’Agriculture, pour un  part minoritaire – lui a été dédié. 

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Par Cyrille Planson

Légende photo : Sabine Revert, responsable du Pôle des publics de l’Opéra de Lille, et Déborah Truffaut, chargée des relations avec les publics 

Crédit photo : D. R.